Des-lys-dans-lart

Aujourd'hui je vous propose de découvrir : La Procession de l'Ara Pacis. C'est une oeuvre antique romaine que j'ai étudié il y a deux ans maintenant et que je trouve très intéressante. L'article est un peu long (notamment à cause des nombreuses images que j'ai mise) mais j'espère qu'il va vous intéresser quand même. Bonne Lecture!  

Le classicisme marque un retour à un ordre incarné et est garanti par une personnalité qui domine son temps. A l’ordre social et politique s’ajoute le souci et le respect des règles, de l’équilibre, de la clarté et de la fermeté formelle. Cet ordre repose sur une morale et une relation, autrement dit sur une tradition. Tout classicisme intègre des modèles anciens qui servent de caution à son idéologie : c’est une synthèse entre les valeurs traditionnelles et le nouveau régime. 

 Renoir Auguste, Le Bal du Moulin de la Galette, Montmartre, 1876, h/t, 1m31x1m75, Orsay

Le tableau traite du thème de la fête populaire. C’est une scène de genre très animée avec de nombreux personnages. Au premier plan à droite, trois hommes boivent un verre et discutent avec des femmes. Derrière, un petit groupe de personnages debout coiffés de haut de forme ou de canotier. Au second plan, on observe des couples de danseurs qui s’amusent sous l’ombre des acacias et des lumières artificielles des lampions. L’un des couples nous regarde. Derrière eux, un couple est assis sur un banc : cela marque la fin de la piste de danse. L’arrière plan est plein d’une foule dense qui se tient devant des baraquements verts et un groupe de musiciens. Cette scène se passe lors d’une fête populaire à Montmartre sur la bute pendant une belle journée. L’impression de fête, de joie de vivre, de quiétude, représente l’expression d’un bonheur simple et collectif.

La bute Montmartre en 1876 est une zone populaire où se trouve des moulins à vent. C’est là qu’est mis en place un cabaret populaire : une guinguette. Dans ce lieu très populaire, on retrouve des ouvriers, des proxénètes, les artistes…la bohème. Le mélange des chapeaux (haut de forme et canotier) montre qu’il n’y a pas que la bourgeoisie mais un mélange. Renoir représente un Paris qu’il connait bien car son atelier se situe à côté. C’est un lieu qu’il fréquente. Cependant, il faut noter que la France est détruite après le guerre contre la Prusse et en 1871, elle subit la guerre civile. Renoir met de côté ces évènements sombres et opte pour une iconographie du bonheur.

L’ambition de Renoir est de peindre une scène de plein air avec de nombreuses figures humaines en mouvement (les gens dansent, rient, boivent…). Il a voulu représenter la diversité des attitudes, la multitude et le bonheur collectif.

Dans ce tableau, Renoir fait poser des amis, des peintres, des modèles : ce sont des personnes connues. Par exemple, au premier plan, l’homme qui tourne le dos est George Rivière (critique qui  a écrit notamment un texte sur ce tableau) et les deux autres sont des peintres : Franc-Lamy et Norbert Goeneutte. Les deux femmes avec qui ils parlent sont des modèles : Estelle et Jeanne. Un journaliste se trouve parmi les danseurs. Et le couple qui nous regarde sont également connus : Margaux et Solarès. Le pari de son ambition est réussi : Renoir exprime la griserie de la fête, de la joie de vivre et la chaleur des rencontres.

La composition est structurée et réfléchie. Le peintre est soucieux de la disposition des figures dans l’espace de sa toile. C’est une composition complexe avec des points de repère : d’abord il utilise  les bancs qui délimitent la piste de danse, puis il emploie une diminution rapide des personnages avec un fonctionnement en cascade pour donner un effet de profondeur. Ensuite, à l’arrière plan, la foule est suggérée par de petites touches vives avec des rehauts de rouge qui suggère une foule grouillante et animée.

Le cadrage coupe les personnages. Le cadrage est réfléchi pour créer un instantané afin de permettre à la fête de continuer hors champs (le prolongement de la réalité de la toile).

Beaucoup d’esquisses préparatoires ont sans doute été préparées en atelier. Mais le pleinairisme  souligne que la toile a été achevée en plein air. Renoir a d’ailleurs été aidé par Rivière pour transporter la toile.

Sous la Tonnelle, autre tableau de Renoir est une toile réalisée dans les mêmes conditions et la même période. Elle est considérée comme un travail préparatoire. Le peintre y représente quelques personnages sous les arbres du moulin de la galette.

Renoir utilise une palette aux couleurs vives : des bleus mélangés avec du blanc et du rose, des verts, des jaunes pailles pour les chapeaux de paille, des rehauts de rouge… Ces couleurs vives rappellent ses intentions gaies et joyeuses.

La lumière a deux origines. Elle est à la fois artificielle (avec les lampions) et naturelle (avec les rayons du soleil). Le peintre se penche ainsi sur un problème plastique : il travaille une lumière vive qui traverse les feuillages et éclaire par petites touches les personnages de façon tamisée. Il utilise des vibrations colorées : comme les taches colorées sur le dos de Rivière ou sur la robe de Margaux, ainsi que les zones d’ombre et de lumière sur tout le sol. Cette lumière vient dissoudre les formes et crée cette vibration colorée caractéristique de l’impressionnisme.  Il n’y a pas de ligne. Cette vision nouvelle marque une forte révolution.

Avec une facture libre, Renoir offre une image maîtrisée qui met en évidence la joie.

C’est son œuvre la plus ambitieuse. Elle est exposée en 1877 à la troisième exposition des impressionnistes.  Comme dit ci-dessus, Rivière, le critique, défend la toile contre les critiques qui parlent de taches de graisse. Le tableau est acheté par Caillebotte (artiste impressionniste aussi) en 1877.

Le bal du moulin de la galette est une des toiles les plus importantes de sa carrière et des impressionnistes grâce à sa thématique (joie de vivre) et par son style (traitement plastique de la lumière).

 

Quelques mots sur le travail des impressionnistes :                                                     

Les problématiques  abordées dans cette toile font surface sur d’autres œuvres de Renoir et des impressionnistes (Monet, etc…) comme La grenouillère : on trouve le thème du loisir mêlé à une recherche sur la représentation de la lumière sur une eau mouvante : c’est la division de la touche. Le peintre peint les touches de manière juxtaposée afin que l’œil face lui-même naturellement le mélange des couleurs. Grâce à cette juxtaposition, les couleurs gardent leur éclat et augmente l’effet du chromatisme.

C’est le travail sur la lumière et la couleur qu’ont cherché à résoudre les impressionnistes mais également à capter une impression d’ensemble, capter l’instant. Ce dernier point implique une certaine rapidité d’exécution avec des œuvres réalisées en quelques heures. On a ainsi l’impression, en regardant les tableaux d’un instant saisi et donc d’un côté, d’un tableau pas complètement terminé que la critique ne manquera pas de souligner, qualifiant les œuvres d’esquisses.

D’autres révolutions sont menées par les impressionnistes : avec le format (on passe à un format moyen) mais aussi avec les tableaux réalisés en plein air : le pleinairisme. 

 Millet, Jean-François (1814 - 1875), Les Glaneuses, 1857, huile sur toile de 83,5x110 cm, Paris, Musée d'Orsay.

Qui n’a jamais vu le tableau de ses trois femmes ramassant des épis dans un champ ? Ces femmes penchées sur le sol au premier plan dont on ne distingue qu’à peine le visage tanné par le soleil, la saleté et la sueur. De vieilles robes en haillons, un fichus leur retenant les cheveux et des besaces forment la tenue de ces pauvres femmes. A l’arrière plan se trouve une charrette de foin et des meules. Sur la droite on peut observer des maisons : c’est la ferme des paysans. Juste devant, se tient un homme à cheval : le contremaître surveille le travail de ses ouvriers. Ainsi les Glaneuses nous plonge dans le labeur d’une journée d’été au champ.

Cette scène de genre illustre le thème de la moisson. La moisson abondante est un message qui signifie une harmonie entre l’homme, le monde et Dieu. Ce message renvoie à un passage de la Bible : le droit de glane, c’est-à-dire, le droit pour les pauvres de ramasser dans les champs ce qu’il reste de la récolte. Ce droit permettait d’éviter la mort des paysans pauvres et d’apaiser les tensions sociales. Les femmes illustrent chacune une phase de la besogne : la recherche des restes, leur sélection et leur regroupement en gerbes. En 1857, Napoléon III voulait moderniser la France alors que dans les campagnes le droit de glane était encore nécessaire. Ainsi le tableau est une forte critique du régime politique de l’Empire : la majorité de la France reste rurale et miséreuse et doit se reporter à un droit biblique. Il porte donc une dimension politique et sociale.
Afin de faire comprendre sa critique politico-sociale, Millet a conçu son œuvre en opposant le premier et l’arrière-plan. Il oppose la paysannerie pauvre à la paysannerie riche : quelques épis/les meules, les trois femmes/ quantité d’ouvriers agricoles, le travail personnel/le travail pour le patron, la petite surface/la plaine, le travail à la main/ le travail avec la charrette dirigé par le contremaître (ce sont des éléments organisationnels et capitalistes). On note aussi la direction des groupes qui est opposée : la fracture sociale n’est pas prête de se résorber et va même s’agrandir.
Cette vision politico-sociale s’inscrit dans le réalisme. C’est une vision de terrain qui joue sur l’opposition pauvre/riche. A cette époque, les paysans pauvres quittent les campagnes pour devenir ouvrier. Ce bouleversement est générateur de pauvreté dans les villes et dans les campagnes. Avec ce tableau Millet porte une démarche sociologique.

L’étude de la composition permet de comprendre également les intentions du peintre. Le point de vue est latéral. Le tableau ouvre une perspective. Le premier plan et l’arrière plan sont séparés par un vide intermédiaire. On bascule directement du premier plan à l’arrière plan. (Il n’y a pas de deuxième ou troisième plan). C’est une innovation qui marque une rupture dans les conceptions classiques de la composition. La forme plastique est construite en fonction du message : l’opposition pauvre/riche. La composition est donc marquée par sa clarté et sa lisibilité.
Une deuxième originalité est visible lorsqu’on observe la ligne horizontale forte. Les femmes sont en-dessous de cette ligne. Elles sont du côté de la terre. Elles y sont rabattues et assimilées : signe de leur pauvreté. Elles n’ont pas d’avenir. Il n’y a pour elles aucune solution sociale ou religieuse. La hiérarchie sociale est représentée : les pauvres, les riches, Dieu.
La composition est également subtile. La forme des femmes sont un écho plastique aux demi-sphères des meules créant ainsi une correspondance premier/arrière plan. Le peintre a même traduit le léger écart entre les formes : deux femmes sont rapprochées et la troisième est un peu écartée. Ces femmes sont tellement pauvres qu’elles ont été naturalisées.
Les femmes sont rivées au sol de la main jusqu’aux pieds : elles ne peuvent plus se relever avec cette forme arrondies du dessin. La troisième femme est un quart de sphère qui va se courber, elle ne se relève pas. La ligne suggère le mouvement à venir (eurythmie). Les deux mouvements préparent le mouvement de la troisième femme. La forme insiste sur l’idée.
On ne voit pas leur visage. Ce ne sont pas des portraits mais des emblèmes. Elles sont anonymes. Ces femmes sont traitées comme des statues. On retrouve un écho à la statuaire antique. Millet utilise l’art du classicisme pour leur donner leur monumentalité. Elles sont dignes. De cette façon, Millet qui est un fils de paysan veut rendre hommage à la paysannerie. On le surnomme d’ailleurs le « peintre des paysans ».
La gamme chromatique est restreinte. On note les rehauts de couleurs des fichus qui se détachent fortement contre le doré du paysage. Ainsi le caractère bucolique de l’arrière plan dû à la lumière rasante du soleil couchant se détache d’un premier plan plus sombre. Ce contraste de lumière symbolise les divisions sociales. La facture, quant à elle, est plutôt léchée.

Après ces explications, il n’y a plus de doute Millet est bien le peintre des paysans. Il multiplia les représentations de scènes de la vie rurale et souhaita représenter toutes les facettes du monde paysan. Par exemple : Les errants (1848), Le vanneur (1848), le greffeur (1855), Les deux bêcheurs (1855), L’angélus (1857-1859), Le printemps (1868).